Existen varios factores que inciden en el hecho de que el año pasado los británicos llenaran La Cubierta y esta vez Vistalegre presentara poco más del 50% de su aforo ocupado, con las gradas laterales cerradas al público y una arena en la que cabía más gente.

Uno de ellos es que vinieran exactamente con el mismo espectáculo, sin variar un ápice el repertorio, si hasta las presentaciones de las canciones por parte de Rob coincidieron en algunos casos… Es un detalle que puede llevar a no repetir a los no tan fanáticos. Poco les hubiera costado cambiar las elecciones más cuestionables del setlist, pues si se trataba de tocar al menos un tema de cada disco, dudo que nadie se hubiera quejado si en vez de sonar “Blood red skies” lo hubiese hecho “Ram it down”, o “Hell patrol” por “Night crawler”, poniendo solo dos ejemplos.

Otra razón podríamos hallarla en la moraleja del cuento del lobo, y es que hay quien se resiste a creer que esta pudiera ser la última oportunidad de ver a Judas Priest en España, sobre todo después de que eso fuera lo que se les dijo en 2011.

Pero la principal explicación la encontramos ya se sabe dónde: en esta maldita crisis que ha hecho que casi todo hijo de vecino tenga que echar cuentas como nunca cada vez que se lleva la mano al bolsillo.

El cartel desde luego que prometía y no nos decepcionó, con dos puntales de la maquinaria alemana compitiendo con el acero británico y las tres bandas rayando a buen nivel.

Muy pronto, a las 18:30 más o menos, comenzó la jornada con la actuación de U.D.O., que siguió el esquema clásico de sus shows: una primera parte centrada en tocar canciones de la banda -“Rev-raptor”, “Animal house”, “Leatherhead”, “Vendetta”- y un segundo tramo en el que Accept, con permiso de “Man and machine”, cobra total protagonismo. A nadie amargan dulces como “Princess of the dawn”, “Metal heart”, “Balls to the wall” o “Fast as a shark”. Dispusieron de unos 40 minutos.

Me sorprendió que BLIND GUARDIAN tuviera hora y veinte minutos de tiempo, poco menos de lo que suelen durar sus conciertos al uso. Pudieron darle cancha a su último plástico ‘At the edge of time’ con “Sacred worlds”, extenso y orquestado corte inicial, y el cañerísimo “A voice in the dark”. Pero la situación daba pie a que tiraran de lo más granado de su repertorio, y bien que lo hicieron. “Welcome to dying” no tardó en llegar, con Hansi animando al respetable mientras André y Marcus acometían labores solistas. Las melodías medievales de “Nightfall” y “Turn the page” alegraron corazones, por su parte “Time stands still (at the Iron Hill)” nos golpeó el pecho con fuerza. El sonido no era muy nítido pero suficiente para apreciar cómo se solapaban la guitarra de André y las teclas de un pobre hombre al que no dan ni bola, como ocurre con el bajista, el otro músico para las giras (¿qué menos que señalar sus nombres en el apartado “Band” de la web del grupo?).

“Este sitio está muy oscuro, me recuerda al Twilight Hall”, decía un Hansi que cantó bastante bien hoy antes de que comenzara otro de sus clásicos, con el doble bombo a toda pastilla. Qué decir de “Somewhere far beyond”, con las rítmicas a toda máquina constatando por qué se tildaba a los germanos de speed desde años antes a que se empezara a oír hablar del término power metal. El pobre teclista, en temas como éste, a verlas venir agitando la melena, porque de tocar, poco o nada.

“Let’s back at the gates of Valhalla!”, gritaba Kürsch antes de que irrumpiera la susodicha canción, infaltable en sus repertorios, con el público tarareando el estribillo –muy cachondos su “¡Arriba!” y su “¡De puta madre, Madrid!” en castellano- mientras los músicos silencian sus instrumentos de uno en uno hasta quedarnos solos con la batería de Frederik Ehmke.

En “Imaginations from the other side” tuvo su momento protagonista André, con un foco sobre él durante el punteo. Para “The bard’s song” ambos guitarristas se sentaron con acústicas mientras Hansi y el público se regocijaban en sus cánticos. “Mirror, mirror” puso fin a una actuación entretenida hasta para los más profanos.

Los achaques de la edad no podrán ensombrecer el legado de una de las bandas definitivas del heavy metal, la que dio forma a la vertiente más ortodoxa, estilística y formalmente hablando, del género. Ellos impusieron el cuero y las tachuelas, por eso, lo que en tu padre o abuelo provocaría la risa, es indumentaria obligada y celebrada en estos eternos defensores de la fe metálica.

La sensación de déjà vu fue una constante desde que se preparaban para saltar al ruedo con “War pigs” de Black Sabbath (la otra banda que, desde Birmingham, dio forma al estilo) hasta que se iban a la ducha con “We are the champions” de Queen.

“Battle Hymn”, su particular himno de batalla, encendía nuestras almas mientras alzábamos nuestros cuernos hacia el gran telón marcado con la palabra “Epitaph” que ocultaba el escenario; lo seguiría haciendo durante los primeros compases de “Rapid Fire”, cayendo coincidiendo con la entrada de la voz. Rob ya no hace los movimientos robóticos con los que escenificaba “Metal Gods” en pasadas giras, pero quien sí sigue jugando con las baquetas a cada instante que se preste a ello –lanzando una al aire para recogerla justo a tiempo de dar el siguiente golpe, haciendo girar otra entre sus dedos, etc.- es Scott Travis, uno de esos baterías que anda tan sobrado que parece que lo que está tocando es sencillo. Una gran pantalla situada tras su kit emite imágenes relacionadas con las canciones interpretadas, también las portadas de los discos a las que pertenecen o estampas de los músicos en plena acción.

“Hola Madrid, hola España, the Priest is back, are you ready?”, así, grosso modo, se dirige a nosotros el cantante antes de acometer “Heading out to the highway”, el primer tema en el que Glenn y Richie cruzan sus guitarras en encomiable armonía; ambos son, dicho sea de paso, los coristas de Halford, con Ian Hill en un segundo plano, a su bola, como siempre. También es el primer tema en el que el cantante asciende las escaleras hasta donde está Scott. Una vez termina, se retiran durante unos segundos y cuando vuelven, Rob, que cambiaría de vestimentas varias veces durante el concierto, ha sustituido la tela vaquera por una chaqueta metálica que refracta la luz de los focos. Daba calor verle. En “Judas is Rising” flojea algo con los tonos, lo que, unido a que lleve bastón, nos recuerda que, aunque los creamos inmortales y su música así lo sea, el tiempo pasa también para nuestros dioses del metal.

En “Starbreaker” Rob nos deja a nosotros los estribillos, pero él cumple, que conste. Se retiran de nuevo momentáneamente y en la pantalla aparece la portada de ‘Sad wings of destiny’. No puede ser otra, viene “Victim of changes”, con Richie y Glenn haciendo la intro mientras el Palacio se llena de láseres. Siempre me fascinó lo sincronizada que está la banda para entrar bien en la parte del solo después de ese pasaje en el que Tipton, a una mano, repite, cada vez más rápido, el mismo fraseo. Rob recorta algunas modulaciones para ganar oxígeno, pero en general rinde bien en uno de los temas más exigentes del repertorio, incluidos los gritos más agudos. Unos cañones de humo realzan el éxtasis final.

Desde uno de los altillos situados a cada lado del escenario –son para Glenn y el cantante, Richie no se atreve a pisarlos- presenta Halford “Never satisfied”, el tema elegido para hacerle justicia a su primer álbum.
Para “Diamonds  and Rust”, su célebre versión de Joan Baez, a Richie le sacan un pie con una guitarra acústica para que no tenga que soltar la eléctrica, pues le hará falta en el ocaso de la canción.

A la intro “Dawn of creation”, de nuevo con los láseres iluminando nuestras retinas, le sigue de manera natural “Prophecy”, que con el tiempo se ha ganado un lugar en el corazoncito de un sector de los fans. El cantante luce su característica túnica metálica y el bastón con el símbolo del grupo, del que saltan chispas al término del tema mientras emergen llamas del escenario. El citado emblema de los Judas aparece ahora a cada lado del tablado bajo truenos y relámpagos que preceden la llegada de “Night crawler”.

La arena del coso se ha ido llenando de gente en detrimento de la grada, lo cual habla de la emoción de la gente, y hasta los Blind Guardian están ahí abajo viendo el concierto como cualquier fan más.

Más láser para “Turbo”, donde los estribillos, también acompañados por fuego, son para que los cantemos nosotros.

Un golpe de caja realzado desde la mesa en “Beyond the realms of death” da pie a que Richie, en un gesto más que estudiado, se golpee el pecho; claro que, para preparado, el vaivén al unísono de cabezas e instrumentos. Con Rob fuera de escena, en el solo Tipton se va al centro de la escena en lo que es uno de sus momentos estelares.

La pareja de guitarras, ayudada por Ian, arranca con “The sentinel”, la pieza que peor canta Halford en todo el concierto, omitiendo agudos y haciendo que suene desangelada. Sí mola cuando, durante el cruce de punteos, se va hacia cada guitarrista en cada turno, además terminará el tema alzando los mástiles de ambos. Más llamas para “Blood red skies” y Halford que se redime con “The green manalishi”, otras de sus famosas versiones, esta vez de Fleetwood Mac. Necesita recuperar el aliento, y qué mejor manera que cantando nosotros entera “Breaking the what?”, digo law.

Está clarísimo que el solo de Travis va a desembocar en un “Painkiller” donde, una vez más, Rob ni intenta el mantenido final; mejor así pues nadie querría que el concierto terminara aquí porque desfalleciera el vocalista, ¿verdad?

Se van pero enseguida empieza a sonar “The hellion”, antesala de “Electric eye”, con Halford cantando desde la plataforma superior del escenario. Subido a la moto y con la gorra, como manda la tradición, interpreta “Hell bent for leather”. Después sale con la bandera española, que besa hasta tres veces, y nos pone a repetir lo que nos canta a capella; déjà vu, déjà vu…

Richie demuestra que no es manco, por si a alguien le quedada duda, al final de “You’ve got another thin comin’”. Y para terminar, coincidiendo con la medianoche, como no podía ser de otra forma, “Living after midnight”.

No sé si de verdad habremos asistido al último concierto de Judas Priest en la península, pero lo que sí sé es que el día que ya no estén, se les echará enormemente de menos.

Texto: Juan Destroyer (Twitter: @juandestroyermr)

Fotos: Antonio Martín

El vídeo fue grabado a comienzos de abril en los estudios Universal de California con el director Anthony Leonardi III, quien también ha trabajado en la película ‘Nothing To Fear’, primera producción que saca Slash con la compañía de cine que ha montado junto a otros tres socios llamada Slasher Films.

El track list de ‘Apocalyptic Love’ será el siguiente:

01. Apocalyptic Love
02. One Last Thrill
03. Standing In The Sun
04. You’re A Lie
05. No More Heroes
06. Halo
07. We Will Roam
08. Anastasia
09. Not For Me
10. Bad Rain
11. Hard & Fast
12. Far And Away
13. Shots Fired

“En diciembre de 2010 concluía la gira ‘Antes de que cuente diez’ de Fito & Fitipaldis en un Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid con entradas agotadas desde semanas antes del concierto. Había sido año y medio de gira, con 73 conciertos en pabellones abarrotados y una asistencia global de más de más de medio millón de personas.

La cercanía con su público, un anhelo de Fito. Casi dos años después, Fito & Fitipaldis vuelven a la carretera. Pero en esta ocasión lo harán en un formato totalmente inhabitual en sus dos últimas giras (que han sumado a más de millón y medio de personas). Fito Cabrales y sus chicos arrancarán el 22 de septiembre en Oviedo una gira que les llevará a 14 capitales. Además de Oviedo, el tour pasará por Las Palmas de Gran Canaria, Santa Cruz de Tenerife, Donostia, Vigo, Sevilla, Valladolid, Granada, Murcia, Zaragoza, Bilbao, Madrid, Barcelona y Valencia.

Esta gira llevaba rondando la cabeza de Fito Cabrales desde varios años. Con ella se conseguirá una cercanía e intimidad con su público que el artista bilbaíno añoraba. Fito volverá a
estar acompañado de sus ya habituales Fitipaldis, es decir, Carlos Raya, Javier Alzola, Joserra Senperena, Daniel Griffin y Alejandro ‘Boli’ Climent.

Una gira única e irrepetible en aforos reducidos. Este nuevo tour de los Fitipaldis supondrá una ocasión única de escuchar las mejores canciones del repertorio de la banda como nunca las habías escuchado. Habrá arreglos que nos darán una visión diferente de temas conocidos por todos sin que éstos pierdan la esencia ‘Fitipaldi’. Habrá momentos eléctricos, momentos más ‘unplugged’… pero, sobre todo, habrá un espectáculo único e irrepetible diseñado exclusivamente para estas actuaciones, ya que esta gira no pasará por más ciudades que las 14 anteriormente mencionadas.

Las entradas saldrán a la venta el próximo 23 de mayo (excepto Donostia, que saldrá el 30 de mayo). Todos los aforos serán de entre 1.300 y 3.000 personas. ¡¡Vuelven los Fitipaldis!!
¡¡Vuelve Fito!!

FITO & FITIPALDIS
GIRA TEATROS OTOÑO 2012

SEPTIEMBRE
Sábado 22
OVIEDO Auditorio Príncipe Felipe
Precios: 50€ + gastos, 40€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Cajastur, www.cajastur.es, banca telefónica 902 106 601, Red Cajeros Cajastur Tiquexpress, taquilla Teatro Campoamor

Sábado 29
LAS PALMAS DE GRAN CANARIA Auditorio Alfredo Kraus
Precios: 49€ + gastos, 44€ + gastos, 38€ + gastos, 25€ + gastos, según zona
Puntos de venta: www.auditorio-alfredokraus.com , www.entradas.com , 902 22 14 24, Red de Cajeros de CajaMadrid, taquillas del Auditorio

OCTUBRE
Viernes 5
SANTA CRUZ DE TENERIFE Auditorio de Tenerife Adán Martín
Precios: 49€ + gastos, 44€ + gastos, 38€ + gastos, 25€ + gastos, según zona
Puntos de venta: www.auditoriotenerife.com, taquillas del Auditorio, 902 317 327

Martes 16
DONOSTIA Kursaal
Precios: 50€, 40€ según zona
Puntos de venta: www.kutxasarrerak.net 943 001200
A LA VENTA EL 30 DE MAYO

Sábado 20
VIGO Auditorio Palacio de Congresos Mar de Vigo
Precios: 55€ + gastos, 45€ + gastos, 40€ + gastos, 25€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Servinova, www.servinova.es , 902 504 500, taquilla física en la Central de Espectáculos.

Sábado 27
SEVILLA Auditorio Fibes
Precios: 48€ + gastos, 38€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.fitoyfitipaldis.com, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes

NOVIEMBRE
Sábado 3
VALLADOLID Auditorio Miguel Delibes
Precios: 52€ + gastos, 46€ + gastos, 40€ + gastos, según zona
Puntos de venta: www.auditoriomigueldelibes.com

Sábado 10
GRANADA Palacio de Exposiciones y Congresos
Precios: 48€ + gastos, 38€ + gastos , 20€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.fitoyfitipaldis.com, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes

Martes 13
MURCIA Auditorio Víctor Villegas
Precios:48€ + gastos, 38€ + gastos, 32€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Red Ticketmaster, 902 15 00 25, Fnac, Carrefour, Oficinas Halcón Viajes, www.auditoriomurcia.org, 968 343 080, taquillas del Auditorio

Sábado 24
ZARAGOZA Auditorio – Palacio de Congresos de Zaragoza
Precios: 52€ + gastos, 45€ + gastos, 40€ + gastos, según zona
Puntos de venta: caitickets.cai.es, cajeros CAI, 902 221 200, taquillas del Auditorio

DICIEMBRE
Viernes 7
BILBAO Palacio Euskalduna
Precios: 52€ + gastos, 45€ + gastos, 41€ + gastos, 40€ + gastos, 36€ + gastos, 32€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Cajeros Multiservicio BBK, tfno 944 310 310, www.bbk.es

Viernes 14
MADRID Palacio Municipal de Congresos
Precios:55€ + gastos, 50€ + gastos, 40€ + gastos, según zona.
Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.fitoyfitipaldis.com, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes

Sábado 22
BARCELONA Auditori del Forum
Precios: 55€ + gastos, 48€ + gastos, 42€ + gastos, 35€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.fitoyfitipaldis.com, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes

Sábado 29
VALENCIA Palacio de Congresos de Valencia
Precios: 52€ + gastos, 45€ + gastos, 40€ + gastos, según zona
Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.fitoyfitipaldis.com, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes

Para nosotros ha sido todo un orgullo recibir el premio. Un orgullo porque después de XX años de historia nuestra ciudad nos reconoce públicamente. Un orgullo porque en una ciudad pequeña, de carácter provinciano, conservadora de ideas, un grupo de heavy metal obtiene reconocimiento popular y un orgullo porque lo que motiva este reconocimiento son nuestras luchas, nuestra lucha contra la violencia de género, nuestra lucha para la perfecta integración de las personas minusválidas, nuestra lucha social. Y que tu ciudad reconozca que esas luchas “merecen la pena” hace que uno se sienta orgulloso de ser “fuego por dentro, corazón de heavy metal”.

Cambiaríamos gustosos el premio por ver que no hay motivo para nuestras luchas. Más o menos esas fueron mis palabras al agradecer el premio. Que nos llama mucho la atención que alguien que inicia una lucha justa (en este caso las nuestras contra la violencia de género y la integración de las personas minusválidas) obtengan un reconocimiento público, lo que demuestra que una mayoría entiende que se deben hacer esas luchas pero que se muevan pocos hilos para solucionar dichas causas. No quería que la conciencia de la clase política segoviana presente en el acto percibiera que habían cumplido con esas causas dándonos el premio, debían saber que el verdadero premio sería saber que se hacen cosas que cambien la situación.

“De mal miraos a bien vistos”. A mi me tocó el discursito mas serio, Gallardo, con su fino humor, fue el encargado de provocar sonrisas aunque como es típico en él lanzando puyitas ácidas para que sean pensadas. Él fue quien dijo que habíamos tardado 20 años en pasar de ser “mal miraos” a “bien vistos” y que aprovechaba que entre los organizadores estaba óptica Damián para pedir descuentos en lentes progresivas para los Lujuria, que si sólo para eso se había tardado 20 años, necesitaba muchos años más seguir viendo con claridad las cuerdas de su bajo para conseguir otras cosas.

A nuestras madres.A ellas quisimos dedicar el premio, ellas que nos han seguido estos años (las que aun viven, alguna estará orgullosa de su hijo desde el cielo) ellas que sufrían por nosotros en la época de “mal miraos” son las que a partir de ahora presumirán orgullosas de sus hijos “bien vistos”  Va por vosotras.

Y a vosotras y vosotros. Porque siempre creímos que esto del metal es algo más que música, que somos una gran familia y para vosotras y vosotros fueron las últimas palabras de Lujuria antes de la cena de gala y antes de correr el riesgo tras la fiesta que nos íbamos a pegar de volver a ser “mal miraos” porque no nos pensábamos cortar un pelo. Lo último que dijimos a los presentes fue “que no pasen otros 20 años para que os deis cuenta de que debajo de cada camiseta negra late un generoso corazón”.

Oscar Lujuria
¡Por el puto rock and roll!

La década pasada supuso el resurgimiento comercial de la banda. ¿Qué expectativas tienes para esta que, discográficamente hablando, comienza con ‘Phantom Antichrist’?

“La base de nuestros fans se expande según pasan los años y no es fruto de la casualidad, se debe a que creemos en lo que hacemos, nos lo curramos mucho y sobre todo nunca nos olvidamos de los seguidores. Eso es algo que aprecian y por eso contamos con su apoyo. Muchos de ellos nos siguen desde nuestros inicios y no exageraría si te dijera que ahora somos como una familia. En todos estos años (en 2015 celebraremos nuestro trigésimo aniversario) hemos tenido momentos buenos y momentos no tan buenos, pero los fans estuvieron con nosotros a las duras y a las maduras. Hemos llegado a una posición privilegiada donde podemos componer lo que nos gusta a nosotros pero que a la vez tenemos en cuenta las sugerencias e incluso las críticas de los fans. Hay un intercambio de opiniones, un grado de conexión y una unidad muy reseñable”.

¿Cuáles de los discos en los que ha trabajado Jens Bogren, el productor de tu álbum, te gustan más?

“No soy gran fan de los artistas con los que ha trabajado, aunque somos buenos amigos de Opeth y Amon Amarth. Más que nada me gusta el sonido que consiguió para sus discos. No nos apetecía experimentar; queríamos a alguien que supiera muy bien de qué va esto del heavy metal”.

Hay fans que añoran vuestras primeras y rudimentarias producciones, ¿y tú?

(Risas) “Es cuestión de gustos. Yo creo que tiene que ver más con las atmósferas, las vibraciones y la energía que emiten aquellos discos que con el sonido per se, que admito que es malo (más risas). Éramos unos adolescentes cuando hicimos ‘Endless Pain’ (1985) y obviamente, después de tantos años de experiencia, una banda siempre suena diferente. Si los hay que esperan que Kreator se quede estancado en el sonido de siempre, están siguiendo a la banda equivocada, y creo que los fans mismos nos lo agradecen. No me imagino haciendo ‘Pleasure to Kill’ (1986) otra vez”.

¿Te gustaría que Motörhead o AC/DC introdujeran cambios en su estilo?

“No se puede comparar churras con merinas. Fueron bandas que establecieron un sonido propio cuando ya sabían tocar. Nosotros éramos adolescentes haciendo ruido. Lo importante de aquellos discos era su actitud y no la pericia técnica. Todos los discos en nuestra carrera son importantes porque son un fiel reflejo de nuestras inquietudes y capacidades como músicos en ese momento, así que estoy orgulloso de cada uno de nuestros discos, pero por razones diferentes”.

¿Cuáles son los temas más difíciles de tocar y cantar a la vez?

“Son precisamente los que no tocamos en directo (risas). No es que no pueda hacerlo pero, llegado el caso, tendría que concentrarme mucho más y no aportaría el feeling necesario. Creo que en bandas como Dream Theater, que son muy estáticos sobre el escenario ya que están totalmente concentrados en tocar, la cosa funciona, pero para bandas como la nuestra que basamos nuestros conciertos en el contacto e interacción con el público, no resultaría. Espero que podamos tocar cualquier tema del nuevo disco en directo, aunque creo que “Civilisation Collapse” me hará tener que estar especialmente concentrado porque es un tema muy rápido.”

¿Y de los temas viejos?

“Digamos que “No Reason to Exist” de ‘Extreme Aggresion’ (1989) requeriría un esfuerzo extra por mi parte” (risas).

En la segunda mitad de los ’90 la popularidad del thrash sufrió un severo bajón. ¿Crees que ahora está aquí para quedarse?

“Aquello fue debido a los medios de comunicación, que promocionaron hasta la saciedad a algunas bandas mientras ignoraban a otras. Ahora con Internet todas tienen las mismas oportunidades de llegar a la gente, por lo menos en la escena extrema. Si las bandas hacen buena música, el género no desaparecerá, es así de simple en mi opinión”.

Por entonces Kreator pasaba por un periodo de experimentación. ¿Os ayudó a sobrevivir?

“Fue una etapa algo complicada, ya que había problemas con la formación, con gente que no debía estar en la banda. Desde luego no fueron los mejores años de nuestra carrera”.

En medios locales latinoamericamos no faltan quienes aseguran que la decisión de incorporar a Christian Bertoncelli a Mägo de Oz podría estar cada vez más cerca de ser tomada por parte del grupo en detrimento de la posición de Leo Jiménez, a quien hasta hace pocas semanas se daba ya como nuevo cantante de Mägo de Oz casi con toda seguridad, máxime cuando se anunció su abrupta salida de 037. ¿Estamos ante un vuelco total de la situación? ¿podremos anunciar en breve espacio de tiempo la entrada de Bertoncelli como nuevo cantante de Mägo de Oz?

En pocos días, quizá en pocas horas… la respuesta

FOTOS: HERNAN SAN MARTIN  (ARGENTINA)

Os autodefinís como Rock Alternativo, pero seguro que ese término ha llevado a engaño a más de un enamorado del Grunge, ¿a que sí? “Es que el Rock Alternativo es una etiqueta muy amplia, el grunge es una parte, no el Rock Alternativo en sí. Si hiciéramos Grunge, nos autodefiniríamos así, no tendríamos problemas. Yo creo que hacemos Metal Alternativo, ese sería el término más exacto o ambiguo”.

¿La portada escogida se debe simplemente a que os gustaba la ilustración o guarda relación con el título? “Buscábamos algo diferente, que no esté realizado con el Photoshop, nada de espadas, o vampiros… queríamos algo orgánico, real, que pensaras ‘¿qué coño es esto?’. Conocimos a Adela Caamaño, una artista veterana, y quedemos impresionados con sus cuadros. Nos gustó mucho este llamado ‘Esòfag mutant’ (esófago mutante), nos recordaba a las viejas portadas en vinilo de los años 70. Adela son cedió los derechos de publicación y después a Siscu, nuestro batería, le inspiró para el nombre del disco: ‘Diez tragos’”.

¿Qué sensaciones intentáis transmitir con las letras? “A Manuel, el cantante, que es quien las escribe, le encanta el rollo místico, un poco surrealista y hasta espiritual o transcendente. No quiere influir políticamente a las masas (risas). Hablamos mucho de Dios en nuestras letras, pero como decía Woody Allen: “Si Dios existe, espero que tenga una buena excusa”. Creemos que la música y las letras tienen que tener un hilo en común, no puedes tener un ambiente místico y añadir una letra protesta. Es como una banda sonora de una película”.

¿A qué viene ahora lo de recordarnos que “Franco is dead”? “Esta es la respuesta más fácil de la entrevista. Viene a recordarnos que hace bien poquito vivíamos en una dictadura, sin libertad de expresión, con nuestros derechos recortados, con exiliados, etc… y parece que últimamente se nos olvida este pequeño detalle. La juventud no tiene ni idea de quién era ese personajillo, llevamos 40 años de retraso cultural y económico  por su culpa… Nuestros padres y abuelos lucharon por recuperar o conseguir sus derechos y ahora que los tenemos estamos aborregados y los estamos dejando perder. Si escuchas el final de la canción, sabrás cuál es nuestra posición al respecto. ¿A qué viene ahora recordarlo preguntas? ¿Es que te habías olvidado de él? Creo que no hay duda de que nuestra posición es en contra del franquismo, vamos, sería una ofensa pensar lo contrario. No debemos olvidar, no para odiar toda la vida, sino para que no se vuelva a repetir”.

Sitúa en un ambiente óptimo, momento específico e incluso lugar idóneo la ingesta de estos “tragos”. “Ahora, la música se consume de una forma demasiado voraz, un iPod repleto de 32Gb de música, saltas de tema en tema cada 15 segundos, estamos demasiado estresados, sobresaturados… nuestra música se ha de saborear con calma, descubriendo todos los detalles que hemos añadido con cariño. Creo que con unos auriculares a todo volumen en una playa rodeado de tías en pelotas, sería el lugar idóneo…. Espera, sería el lugar idóneo para cualquier cosa!!! Cada persona tiene su lugar predilecto, su Shangri-La, para escuchar su música favorita. Lo mejor es relajarse y dejarse llevar… y si no te gusta, lo borras de tu disco duro y ya está”.

¿Qué planes tenéis de cara a los directos? “De momento estamos metidos en el local ensayando lo que sería un setlist de unos 45 minutos, tocar acompañando a otras bandas es un escenario lógico y realista para nuestro perfil. Y con 45 minutos de actuación tienes lo justo para no agobiar al personal”.

Guitarras rítmicas como las de “Ver llorar desiertos” están muy marcadas, ¿cómo haréis en directo durante los solos de Francisco para no perder impacto? “Haremos playback (risas). No, en serio, las canciones fueron creadas sin esas guitarras en las partes solistas, solo fue un arreglo de estudio. Hemos sido muy sinceros en toda la grabación, en la mayoría de los solos no existe guitarra rítmica de fondo, para eso tenemos a un excelente bajista, Rafa”.

¿En qué afináis en “La eternidad? ¿Es la tonalidad más grave de todo el trabajo? “En B, igual que en ‘Franco is dead’. Normalmente la guitarra está afinada en DropC#, o sea, medio tono bajo y la sexta cuerda bajada otro tono más. En estas canciones le queríamos dar un sonido más pesado. En el disco anterior aún jugamos más con diferentes afinaciones, incluso en un mismo tema usamos diferentes. En este hemos sido conservadores en ese aspecto” (risas).

¿Se puede facturar música de alto valor técnico y transmitir emociones a la vez? ¿Son los ritmos complejos y los cambios bruscos un fin en sí mismo o sois tan “raros” que os salen solos? “El Rock duro siempre se ha caracterizado por tener un alto valor técnico. Incluso en extremos técnicos puede transmitir emociones, ¿quieres ejemplos? Steve Vai levanta pasiones y es una música muy técnica, Frank Zappa es de culto, Mahavishu Orchestra en los ’70 fueron una gran influencia en los músicos de Metal posteriores, Led Zeppelin eran armónicamente y rítmicamente complejos… incluso grupos actuales como Meshuggah tienen fieles seguidores con unas estructuras muy complicadas. Nosotros hacemos canciones, canciones con estructuras estándar de pop/rock, con duraciones cortas, de 3 a 5 minutos como máximo. Los ritmos complejos y cambios bruscos no son un fin para nosotros, son una forma de hacer diferente, de transmitir ambientes y variedad a las canciones. No lo podemos evitar, no pensamos en ello, buscamos algo que nos ponga dura la polla y lo hacemos. Repito, nuestra meta es hacer canciones, no pajas mentales”.